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14 juin 2021 1 14 /06 /juin /2021 19:46

                         Helena Almeida

Née en 1934 à Lisbonne, où elle vit et travaille, Helena Almeida a achevé un cursus en peinture au département des Beaux-Arts de l'université de Lisbonne en 1955, exposant régulièrement depuis la fin des années 1960. Dès ses débuts , elle explore et remet en question les formes d'expression traditionnelles, la peinture en particulier, suivant un désir constant d'enfreindre l'espace délimité par le plan pictural. Peu connu en France,elle est considérée comme l'une des plus grandes artistes contemporaines portugaise. 

Helena Almeida

Helena Almeida

    Desenho habitado ( Dessin habité ) 1977

travail sur papier 40,50 x  50,50 cms 

explications anglais/ espagnol

explications anglais/ espagnol

Desenho habitado / 40,5 x 50,5 cms

Desenho habitado / 40,5 x 50,5 cms

L'ensemble des oeuvres de la série Desenho habitado, que l'artiste a commencé a produire en 1975, est un exemple clair de la première étape de l'évolution de sa production, et illustre son langage personnel, situé aux frontières de certaines disciplines. Dans ces oeuvres, l'artiste apparaît en train de dessiner le stylo à la main. La ligne qu'elle trace est parfois faite de fil ou de crin qui peut quitter ce plan pour voyager dans l'espace . En d'autres occasions, des coups de pinceaux bleus recouvrent son visage sa tête ou son corps, dans un jeu entre l'apparence et les choses cachées, l'image et le reflet, la fragmentation. Comme la série des visages, la bouche ouverte ou cousue , des lignes formant le mot "regarde moi , écoute moi , sens moi "

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

 Bien qu'elle s'exprime par le biais de la photographie ( des clichés grand format en noir et blanc ) son travail est complexe et englobe d'autres techniques, telles que la peinture, le dessin, le collage et la performance, toujours axées sur l'idée de l'auto-représentation. 

"Desenho habito"est un exemple de cette approche . "les Dessins habités" sont une série d'oeuvres qu'Almeida a commencé donc à produire en 1975, en décomposant son corps en unités minimales ( des yeux, les bras , la bouche etc... ) afin de les explorer Dans ces six photographies la main de l'artiste trace une ligne avec un stylo : tantôt cette ligne est un fil, tantôt une mèche de crin, qui part en voyage dans l'espace

Comment un corps et le mouvement d'un corps ( celui de l'artiste ) parviennent ils faire une oeuvre d'art ?!

 

 

                   à suivre...

 

 

                                                                                          

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6 juin 2021 7 06 /06 /juin /2021 00:03
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

            Delta ou marais  de l'Ebre  ( 1945 )

Les travaux commencèrent en 1917 . Ils furent relancés à la fin de la guerre civile.

Les travaux commencèrent en 1917 . Ils furent relancés à la fin de la guerre civile.

Le Delta ou marais de l'Ebre est le plus puissant des fleuves espagnols. Sa longueur est de 928kms et son bassin versant a une superficie de 85,362 km2 

La bataille de l'Ebre est le plus vaste des combats qui furent livrés durant la guerre d'Espagne entre les forces républicaines et les insurgés nationalistes. Elle se déroula dans la basse vallée de l'Ebre, entre le 25 juillet et le 16 novembre 1938. Ce fut la dernière grande offensive des républicains, mais elle se solda par un échec tactique et stratéqique qui précipita la fin de la guerre 

                  Arc de la Victoire,  Madrid  ( 1950 - 1956 )

 

Les architectes : Modesto Lopez Otero et Pascual Bravo Sanfeliù . Les travaux ont été réalisées par des détenus politiques

Les architectes : Modesto Lopez Otero et Pascual Bravo Sanfeliù . Les travaux ont été réalisées par des détenus politiques

L'Arc de la Victoire de Madrid, est un monument construit après la guerre civile espagnole par ordre de Francisco Franco, en commémoration à sa victoire. Il est situé dans le secteur de Moncloa-Aravaca et a presque 49 mètres de hauteur .

                        Le barrage de Benagéber  ( 1936 - 1952 )

 

Le Barrage est situé dans la province de Valence 

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

                      La Cathédrale Saint- Pierre de  Vic ( 1940 - 1945 )

La Cathédrale et le Séminaire de Vic ont été reconstruits par des prisonniers républicains soumis aux travaux forcés

La Cathédrale et le Séminaire de Vic ont été reconstruits par des prisonniers républicains soumis aux travaux forcés

La Cathédrale est située dans la ville de Vic, dans la communauté autonome de Catalogne . Actuellement la cathédrale néoclassique a été construite entre 1780 et 1803 par Joseph Morakoy Codina . L'intérieur a été entièrement décoré en 1930 par Josep Maria Sert . 

L'intérieur de l'édifice a été ravagé par un incendie , six ans plus tard, pendant la guerre civile, détruisant totalement la décoration des murs. L'artiste reprit son oeuvre de décoration en 1939 à 1945 et c'est cette décoration qui est actuellement visible

                                La vallée de Los Caidos  ( 1940 - 1958 )

La vallée de Los Caidos

La vallée de Los Caidos

La vallée de Los Caidos ou Abadia de la Santa. Abbaye de la Sainte - Croix est un monument espagnol de l'époque franquiste situé dans la vallée de Cuelgamuros à moins de 50 kilomètres  au Nord- Ouest de la capitale.

La réalisation de ce monument a été commandée par le général Francisco Franco de 1939 - 1975 pour rendre hommage aux" héros et martyrs de la croisade " morts pendant la guerre d'Espagne  ( 1936 - 1939 )

En 1958, le Caudillo décida d'en faire un mausolée 

La loi sur la mémoire historique du gouvernement socialiste José Luis Rodriguez Zopatero prévoit de dépolotiser afin de le consacrer uniquement à sa vocation religieuse

                                     Vilanova de la Barca  ( 1940 - 1944 )

La reconstruction de la population a été réalisée par une section pénale composée de 225 prisonniers de guerre et la répression de tous les hommes politiques

La reconstruction de la population a été réalisée par une section pénale composée de 225 prisonniers de guerre et la répression de tous les hommes politiques

Vilanova de la Barca est une commune de la province de Lerida en Catalogne , en Espagne de la comarque de Segria 

                                   Cenajo Reservoir 

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Il est situé sur la rivière de Segura dans le détroit de la Herradura , entre Castilla- la- Mancha et la région de Murcie

Sa construction s'inscrit dans la politique des ouvrages hydrauliques du régime franquiste 

Les crues catastrophiques du fleuve Segura étaient constantes et rendaient difficile la vie sur ses rives. En 1886 un premier plan a été élaboré en 1926 les réservoirs de Camarillas et de Cenajo ont été planifiés 

Entre 1943 et 1952, les premiers travaux ont été réalisés au Cenajo, jusqu'à 350 travailleurs y ont participé...

 

                                                 à suivre....

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30 mai 2021 7 30 /05 /mai /2021 17:58

                              Oscar Masota

                                    La théorie en tant qu'action 

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Basée sur de nombreuses années de recherche, cette exposition explore la carrière d'Oscar Masotta ( Buenos - Aires, 1930 -  Barcelone 1979 ), figure cruciale de la modernisation de la scène culturelle argentine des années 1950 aux années 1970 

Oscar Masotta

Oscar Masotta

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Intellectuellement lucide et vorace, ses intérêts multiples incluaient l'art, la littérature , la bande dessinée , la politique et la psychanalyse. Il a entrelacé des paradigmes de pensée tels que l'existentialisme, la phénoménologie le structuralisme et la sémiotique. 

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Des notions telles que l'avant-garde, la dématérialisation, la discontinuité et l'environnement l'ont aidé à analyser les transformations radicales de son époque. Il s'est toujours revendiqué marxiste mais a défié l'orthodoxie en abordant le péronisme et la culture populaire . Contrairement au climat fortement anti- intellectuel du moment, il a défendu la théorie comme un mode spécifique d'intervention politique émancipatrice .

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Exilé à Barcelone depuis 1975, Masotta a participé activement à la scène contre culturelle et a contribué à promouvoir la croissance de la psychanalyse en Espagne par le biais de centaines groupes d'études

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Bien qu'il reste bien connu en tant que critique littéraire et pour son rôle dans l'introduction de Jacques Lacan en Amérique Latine et en Espagne, ses interventions - non seulement théoriques, mais aussi en tant qu'artiste et promoteur - au sein de l'avant-garde artistique et du domaine de la bande dessinée n'ont été pleinement reconnues que récemment

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Théoriciens , conservateurs et artistes contemporains ont découverts chez Mazotta un foyer d'idées et d'expériences qui nous obligent à repenser l'art des années 1960 et à envisager ses implications pour aujourd'hui, ses résonances et ses ruptures

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

où situer Misotta, entre l'écrivain phare et l'écrivain périphérique, les théoriciens et l'artiste, le plagiaire et le précurseur, l'intellectuel dépendant et l'intellectuel autonome, le révolutionnaire et le dandy, l'engagé et le bouffon?!

Aucun de ses points de collisions n'offrent une image stable, mais c'est peut-être , comme il l'a lui même suggéré, le meilleur effet du retour à Masotta. Sa capacité à nous faire nous faire ressentir un malaise ou un inconfort

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
                      Masotta et " La Gauche Divine "

 

Menacé par la police paramilitaire et poursuivit par le climat de persécution et de violence politique croissante en Argentine, Masotta quitte son pays natal à la fin de 1974 pour s'exiler en Europe, d'abord à Londres, puis à Barcelone, où il est invité par ses amis Marcelo Ramiez Puig et Daniel Melgarejo

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Juan Stoppani : Buenos Aires Argentine / Soldat de l'espace 1965

Juan Stoppani : Buenos Aires Argentine / Soldat de l'espace 1965

Il continue à y  organiser de nombreux groupes d'études, de conférences et des réunions, principalement sur la psychanalyse, qui attirent de nombreux jeunes, dont Pepe Espaliù

Actif dans la contre culture de la scène anti- franquiste, son premier groupe d'étude était basé dans l'atelier du peintre Josep Guinovart . Il est en contact avec de jeunes intellectuels tels que Alberto Cardin, Eugénio Trias et Frederico Jimenès  Losantos

En 1977, sa fille unique, Cloé est née. 

Atteint d'un cancer qui l'empêche de parler, il meurt le 13 septembre 1979 à l'âge de 49 ans 

       ARCHIVES INACHEVÉES CETTE PREMIÈRE EXPOSITION sur la trajectoire intellectuelle d’Oscar Masotta est le fruit de plusieurs années de recherches collectives dans lesquelles sa fille Cloe a joué un rôle majeur, aux côtés de nombreuses autres personnes. Les résultats de ces recherches ont donné lieu, en 2017, à une exposition au MUAC (Mexico) qui, après son passage par Barcelone, sera présentée à Buenos Aires. Espérons que, dans ces deux dernières villes, où Masotta vécut et joua pleinement son rôle d’agitateur d’idées, cette exposition déclenchera un travail de mémoire, en quête de liens et de rapprochements qui permettront d’ancrer son legs trop longtemps négligé dans le présent. Initiateur et animateur incontournable de démarches collectives, il a osé intervenir dans des sphères où il n’avait aucune légitimité en s’inventant sa propre chaire en marge des institutions. Le résultat le plus prometteur de ce long travail de recherche est peut-être l’exercice de constitution d’archives jusqu’à présent inexistantes ou dispersées, inachevées, fragmentaires et en construction, patiemment réalisées à coups de bribes éparpillées, d’indices inattendus, de témoignages et de documents. Des archives qui repousseront les limites temporelles et spatiales trop étroites de l’exposition pour s’ouvrir à des lectures et à des développements futurs                                       

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21 mai 2021 5 21 /05 /mai /2021 19:23

                          James Lee Byars

 

Né à Détroit en 1932, l'artiste commence des études de psychologie et d'esthétique, puis entre 1958 et 1967, il effectue de fréquents séjours au Japon au cours desquels il travaille sur les rapports entre nationalisme occidental et mystique oriental. Byars devient par la suite nomade, et multiplie à partir des années 1970 les performances dans les lieues publics institutionnels européens et américains. Sa première exposition personnelle se tient dans l'escalier de secours du MoMA de New-York en 1958. Suivent des expositions à la Willard Gallery en 1961, au Japon à partir de 1962, au Métropolitan Museum of Art en 1970 puis au MoMA en 1976. Il réalise des performances au Musée des Beaux-Arts de Berne, point de départ d'autres expositions dans toute l'Europe : Amsterdam , Berlin, Genève, Londres, Paris, Cologne, Venise, Bruxelles, Marseille...Ses couleurs de prédilection - or, rouge, noir et blanc - donnent une dimension poétique et mystique à des créations et des performances qui articulent l'art et la vie, tournées vers la quête du sublime et de la perfection. Les thèmes de l'éphémère, de la fragilité, de l'invisible, de la mort sont présents, se conjuguant souvent à celui de la perfection, par exemple dans " The Rose Table of Perfect " - une sculpture sphérique de 1989 composée de 3333 roses rouges qui se fanent au fil de l'exposition. " The Angel " 1989, composée de 125 sphères en verre de Murano montées sur un support sphérique transparent

The Rose Tble of Perfect

The Rose Tble of Perfect

James Lee Byars

James Lee Byars

The Spherical Book Le livre Sphérique

Sculpture 175 x 50 x 50 cm

The Spherical Book 1986

The Spherical Book 1986

La recherche sur l'essence des formes de représentation est à l'origine des oeuvres. "The Figure of Question, The Soft Cub,and Spherical Book "Ils présentent tous des formes pures de surfaces polies en marbre blanc de l'île grecque de Cavala. Byars guidé par ce qu'il appelle " la première philosophie pleinement interrogative ", a réalisé des pièces qui épousent les formes géométriques à la recherche de la spiritualité, de vérité et de beauté

The Spherical Book 1986

The Spherical Book 1986

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain
Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

Avec l'utilisation du marbre et son rappel du monde classique, Byars a également utilisé l'or, pour ses références historiques à la divinité et à la perfection

 

                                                         à suivre...

                                            

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15 mai 2021 6 15 /05 /mai /2021 21:11

                     " A chaque stencil une révolution "

" A chaque stencil une révolution "

                              Latifa Echakhch

 

Latifa Echakhch née en 1974 à El Khnansa ( Maroc ), vit et travaille à Paris ( France ) et Martigny ( Suisse )

Latifa est une contemporaine marocaine dont la pratique se compose d'installations et sculptures. L'oeuvre de Latifa Echakhch traite d'enjeux socioculturels contemporains. Rapports de dominations culturelles et économiques; identités et nationalités; colères et soulèvements...L'un des motifs récurrents de son travail consiste ainsi en débris aux pieds de murs, bris de verre, de briques, de ciel '( Cross Fade 2016 )... Sa pièce " A chaque stencil une révolution, 2007 " , par exemple consiste en une pièce tapissée de feuilles de papier carbone A4. Une tapisserie bleu sombre, sur laquelle aurait été projeté un mélange de colle et d'alcool à brûler, provoquant ainsi délavements et coulures bleues sur le sol blanc. Soit, peut-être , la trace, très belle, d'un acte de rage. Actuellement, le travail de Latifa Echakhch est représenté par la galerie Kamel Mennour ( Paris, Londres ), la Dvir Callery  ( Tel Aviv , Bruxelles ), la Galerie Eva Presenhuber ( Zurch, New-York ) notamment.

        

 

"A chaque stencil une révolution ( 2007 )" : les ruissellements bleu nuit du papier carbone arrosé d'alcool à brûler

Née au Maroc, Latifa Echakhch a grandi en France . Elle a étudié à l'Ecole Supérieure d'Art de Grenoble ( DNSEP en 1997 ). Puis à l'Ecole Nationale Supérieure d'Arts de Paris-Cergy ( DNSEP en 1999 ) Elle a effectué un post-diplôme à l'Ecole Nationale des Beaux-Arts de Lyon ( 2001-2002 ). Sa première exposition personnelle, " Words don't come easy to me ", se déroule à l'Espace Premier Regard ( Paris 2002 ). En 2004, elle effectue une résidence à la Box ( Bourges ). Puis à la Cité Internationale des Arts ( Paris 2005- 2006 )

Latifa Echaknch

En 2007, elle réalise " A chaque stencil une révolution "pour son exposition personnelle. " " Il m'a fallu tant de chemins pour parvenir jusqu'à toi ", au Magasin ( Grenoble ). La pièce est reprise en 2008, à la Tate Modern de Londres ( " Speakers'Corner ). En 2009, Latifa Echakhch commence à travailler à la Galerie Kamel Mennour

                                      à suivre...

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9 mai 2021 7 09 /05 /mai /2021 00:15

                               Angela de la Cruz

Angela de la Cruz est une artiste espagnole dont les oeuvres se situent entre la peinture et la sculpture . Elle s'engage dans le discours sur "problème" de la peinture en ciblant son anatomie de base : la civière, normalement laissée à son travail de garder la toile lisse et souple. Angela de la Cruz est née à la Corogne en Galice, au nord-ouest de l'Espagne en 1965 et vit et travaille à Londres. Elle a obtenu un BA en philosophie de l'Université de Saint-Jacques- de- Compostelle ( 1989 ) avant de déménager à Londres, où elle a un BA en Beaux-Arts de Goldsmiths Collège ( 1994 ) et une maîtrise en sculpture et théorie critique de Slade ( 1996 )

De la Cruz rompt les conventions, littéralement en mutilant la civière et en perçant l'édifice plat de la toile pour la libérer dans un espace tridimensionnel. Coupé, tordu et réformé en quelque chose qui se rapproche de la sculpture, il y a un humour noir en jeu : "Au moment où je coupe la toile,je me débarrasse de la grandeur de la peinture" dit-elle. Convention ponctuée, ses oeuvres semblent imiter des aspects du comportement humain ou des états d'esprit - se recroqueviller, survivre - et, plus récemment, ce sens de l'échelle humaine a été renforcé par des oeuvres incorporant des éléments de mobiliers domestiques, tels que des chaises et des tables. Prostrés sur le sol ou accrochés au mur comme des trophées macabres, ils témoignent d'un processus violent et, à ce titre, le confrontent comme quelque chose de passionnant, de redoutable et, sale ou glissant, juste sur la surface.

Pour des oeuvres récentes telles que Burst  ( White ) 2012, l'artiste a violemment mais ludiquement transcendé les limites imposées de son médium, affirmant, la tridimensionnalité de la peinture en faisant éclater les côtés comme s'ils étaient sur le point de se déchirer ou d'exploser. "Ces travaux consistent à être au bord de quelque chose, l'état liminal entre une forme et une autre. Il y a une apparence de surface et aussi ce qui se trouve en-dessous. Ces pièces sont assez agressives

Les expositions personnelles incluent le Camden Arts Centre, Londres 2010, le Centro Analuz de Arte Contemporanéo, Séville, Espagne 2005 et le Muséo de Arte Contemporanea de Vigo, Annex Space Marco, Espagne 2004. Elle a été nominée pour le Turner Prize en 2010.

Angela de la Cruz vit et travaille à Londres

 

 

Clutter vii ( yellow )

"Clutter vii Yellow " fait référence au corps de l'artiste par l'usage de ses dimensions, mais il évoque matériellement les sacs mortuaires et les conteneurs métalliques utilisés pour le transport des cadavres sur le champs de bataille ou accidents...Angela a recyclé des déchets pour produire des silhouettes...

 

                                                                 à suivre...

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30 avril 2021 5 30 /04 /avril /2021 17:31

                          Jordi Colomer ( 1962 )

 Jordi Colomer

Jordi Colomer a étudié à Barcelone, d'abord l'art à l'Ecole d'art et de dessin, puis l'histoire de l'art à l'université autonome, et enfin l'architecture à l'Ecole technique supérieure. Si son port d'attache reste la capitale catalane,l'artiste mène différents projets à l'étranger, notamment en France, où il expose régulièrement depuis 2002, ainsi qu'au Chili et en Turquie. Un important catalogue lui a été consacré en 2003, ainsi qu'une exposition rétrospective à la Galerie Nationale du Jeu de Paume à Paris en 2008

 

Dès ses débuts en 1993 avec Alta Comèdia ( 1993), Colomer mêle travail scuptural, références théâtrales et architecturales. La vidéo deviendra plus tard son médium de prédilection et sa première installation, présentée en 1997 au Musée d'Art Contemporain de Barcelone, s'apparente alors à une sculpture habitable et à une narration cinématrographique, principe qu'il développera dans les projets à venir tels que The Litte Piano en 1999, les Jumelles en 2000, ou le Dortoir en 2001. C'est à partir du dédut des années 2000 qu'il étale ses investigations à l'espace public, aux banlieues, aux rues et aux toits. Les projets  Anarchitekton ( 2002-2004 ) No? , Futur!, ( Nantes 2004 ), En la Pampa ( Chili 2008 )et The Istambul Map ( 2010 )proposent des "micros-fictions" tout aussi réalistes qu'étranges. Colomer y interroge le rapport que ses personnages entretiennent avec l'espace construit duquel ils déambulent. L'image peut y être saccadée et muette, comme dans les premiers films de l'histoire du cinéma, renforçant de la sorte le caractère artificiel du film, soulignant sa nature de construction différente d'une simple réplique de la réalité. Ce sont bien les rapports entre fiction et réalité d'une part, entre architecture et usagers d'autre part qui sont interrogés ici. Les vidéos sont elles -mêmes projetées dans des espaces mis en scène par l'artiste, installations qui soulignent la nature trompeuse du médium et que le spectateur éprouve comme un parcours symbolique : la ville y apparait comme "scène primordiale"de nos systèmes de symbolisation du monde. Colomer cherche à déstabiliser le spectateur et le place entre ce qu'il sait et ce qu'il veut croire, au point qu'il semble parfois difficile de distinguer le simulacre du réel .

 

Frase ( der Wachtturm ) 1991, Phrase (' La Tour de Garde ) 1991 ( 47 x 291 x 35,5 cm )

 

Le corpus artistique de Jordi Colomer  constitue un projet qui puise son inspiration conceptuelle et formelle dans la relation entre l'être humain et son environnement. A cet égard, la taille, la proportion, l'échelle et l'harmonie du corps humain joue un rôle central dans une oeuvre qui jusqu'à présent s'était distinguée par son évitement de toute présence humaine - visible réelle ou reproduite - dans les sculptures de l'artiste, installations et photographies. Colomer a tendance à se tourner vers l'allégorie pour confronter le spectateur non pas tant à des images qu'à des lieux. Le mécanisme discursif opère avec un hermétisme qui nous empêche de connaître tout le sens, que l'artiste cache délibérément, faisant usage sans discernement de références architecturales, littéraires, sculpturales théâtrales ou chorégraphiques. Ce sont les vestiges et les prérequis de certaines activités qui nous sont inconnus, et qui ne nous sont signalés que par le déploiement de certains éléments habituels et communs, tels que des assiettes, tapis tables, chaises ou des éléments architecturaux tels que socles maquettes...L'ordre et le désordre ou le mouvement et la stabilité sont des couples qui se révèlent fréquemment dans cette oeuvre 

                                                       à suivre...

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22 avril 2021 4 22 /04 /avril /2021 23:13

                                   Ignasi Aballi 

Ignasi Aballí (Barcelone, 1958) a étudié les Beaux-Arts à l'Université de Barcelone.

Depuis les années 1990, il a notamment exposé au Drawing Center (New York), MACBA (Barcelone), ZKM (Karlsruhe), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Le Printemps de Septembre (Toulouse), Galerie Meessen-de Clercq (Bruxelles), Galerie Estrany de la Mota (Barcelone), Galerie Elba Benitez (Madrid), Gagosian gallery (New York), Frac Lorraine (Metz), Centre National d'Art Contemporain Villa Arson (Nice), Fondation Maeght, (Saint-Paul de Vence), la Pinacoteca do Estado de São Paulo.

Il a également participé à plusieurs biennales internationales comme la 52ème biennale de Venise en 2007, la biennale de Sharjah en 2007 ou la 11ème Biennale de Sydney en 1998.

Ignasi Aballí a reçu le prix Joan Miró 2015 pour sa « réflexion aboutie sur les limites de la peinture et de la représentation, pour son attention méticuleuse aux conséquences significatives que peut générer le plus petit changement opéré dans une stratégie de re-signification, ainsi que pour son rôle de mentor auprès d'artistes plus jeunes ».

Une rétrospective de son travail depuis 2005 a eu lieu au Reina Sofía (Madrid) en 2015 et en 2016 à la Fondation Joan Miró (Barcelone).

"Sens Limite "This work is placed in the opposit wall

Ignasi Aballi  "Sens  Limite " 1989 peinture 200.5 cm  x 200.5 cm . La trajectoire artistique d'Ignasi Aballi, a rapidement évolué vers la prédominance du concept face à l'illusionnisme pictural . Aballi suspend l'image et annule toute possibilité de fiction . 

"J'en suis venu à la conclusion que je préférais suggérer la présence d'un tableau plutôt que de le montrer directement . J'étais plus intéressé à laisser l'image en suepension ",  explique l'artiste . L'acte de peindre devient problématique , Aballi a développé de multiples stratégies pour pousser la notion de peinture à la limite.Des éléments du "pictural", tels que la couche de vernis , la civière ou le liquide correcteur deviennent allusion à la peinture inexistante .

 

                                                                  à suivre...

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17 avril 2021 6 17 /04 /avril /2021 23:04

        Le Musée de l'art Contemporain ou MACBA

 

Est un grand musée consacré principalement à l'exposition d'oeuvres réalisées pendant la seconde moitié du xx ième siècle. Il se trouve dans le quartier d'El Raval de la capitale Catalane, très proche du Centre de la Culture Contemporaine de Barcelone ( CCCB ) Bartomeu Mari est l'actuel directeur

Espagne Barcelone /Le Musée de l'Art Contemporain

                               Historique

L'idée de créer à Barcelone un musée d'art contemporain est due à l'historien et critique d'art Alexandre Cirici-Pellicer qui en 1959 , à commencé à réunir une collection. Cerici -Pellicer a bénéficié de l'aide d'autres amateurs d'art qui ont contribué à accroître cette collection, présentée lors différentes expositions itinérantes avec également des oeuvres d'artistes de cette période; cependant, en 1953, l'exposition El Arte y la paz, aux accents antifranquistes évidents sonne le glas, de l'idée de Cirici-Pellicer. La collection est alors déposée dans le Musée Victor Balaguer

L'idée est reprise en 1985, avec la création, par la municipalité de Barcelone et la Généralitat de Catalunya d'un consortium et la décision d'installer un nouveau musée dans l'ancienne Maison de la Charité. L'idée est à nouveau au sommet jusqu'en 1986 , quand le maire de Barcelone Pasqual Marguall, propose la construction d'un nouvel édifice d'abriter le siège du nouveau musée . En 1987, est constituée la Fundacio privada Museu d'Art Contemporani, qui a été réunie au consortium formé par les deux admnistrations publiques

                                  Bâtiment 

Hall d'accueil

La conception du musée est due à l'architecte américain Richard Meir. L'édifice, par cet architecte tend à unir l'art contemporain exposé à l'intérieur avec les formes historiques des bâtiments limitrophes. 

 

L'entrée au MACBA donne accès à un hall d'accueil, un espace circulaire marqué par une forte verticalité depuis lequel, au moyen des rampes d'accès, une distribution vers les salles d'expositions est assurée. 

 

L'emploi de la couleur blanche, complétée par l'utilisation de larges parois de verre  et de matériaux réfléchissants en fait un bâtiment d'une luminosité toute particulière

 

 

L'intérieur marque...par la grandeur de son hall, qui représente un tiers de la largeur du bâtiment ...par le parcours architectural, réalisé depuis le rez-de-chaussée avec une série de rampes de circulation douce visible depuis depuis l'atrium du hall qui dessert les trois niveaux supérieurs d'exposition. Elle occupe une place essentielle dans la composition et l'esthétisme intérieurs. 

 

Cet espace de circulation est de plus ouvert sur l'extérieur pour emplir le volume d'une lumière abondante toute particulière et offrir une vue permanente sur la ville . 

 

Ces points de vue constants à travers le mur rideau sont filtrés, comme la lumière, par la structure, composés de poteaux et des parois autoportantes faisant office d'écran, sur lesquels la rampe vient se fixer.

 

.... Par le travail et la lumière et l'alternance des contrastes en clair et obscur. La lumière naturelle du Sud baigne le hall grâce au mur rideau, au recul de l'esplanade et à l'emploi du blanc et de matériaux réfléchissants. Certains éléments de structure sont séparés de la ligne de la façade et de l'enveloppe du bâtiment, en vue de permettre un éclairage naturel libre et continu. Cette lumière pénètre l'intérieur à travers des galeries ouvertes , de grandes lucarnes et persiennes, des ouvertures zénithales, des murs rideaux et des pavés de verre.Les salles d'exposition sont , quant à elles, placées du côté de la façade Nord opaque et éclairées tantôt artificiellement, tantôt par une lumière naturelle filtrée par des blocs de verre ou de discrètes fentes.Chaque salle d'exposition propose un univers différent : par leurs dimensions ( petit, intimiste, ou dilaté, imposant ), leur lumière, ( inondant, dirigeant, structurant ou tamisant ), elles peuvent ainsi abriter tout type d'oeuvre d'art ( à accrocher au mur, à isoler , centrer, cadrer,à contempler ou à manipuler )

 

En somme, l'architecture de MACBA de Richard Meir relève ici de l'esthétisme moderne avec l'usage de formes simples, de matériaux bruts, (acier , béton armé verre... ), et une absence d'ornements . Elle renvoie à des courants de l'art modernes tels que le cubisme ou le néoplasticisme . Le MACBA représente finalement le style rationaliste dessiné par le Corbusier , qui combine lignes droites et lignes courbes , pavées de verre , double circulation ( rapide et lente avec la rampe ) , pureté de blanc , façade libre, dialogue entre les espaces intérieurs et extérieurs...

                                                            à suivre...

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10 avril 2021 6 10 /04 /avril /2021 22:34

                                          La scène

                                       

 

La scène mesure onze mères de large. A son entrée se trouve le groupe de sculptures . Elles sont sculptées par Diego Majo et par Paul Gargallo Elles représentent à droite le buste de Beethoven flanqué de deux colonnes doriques sous la cavalcade des Walkyries 

Buste de Beethoven

cavalcade des Walkyries

La musique catalane est représentée sur le côté gauche . Le buste de Josep Anslem 

Josep Anslem

La scène est un hémicycle au fond de laquelle se trouvent dix-huit muses modernistes. Les visages sont sculptés en relief alors que le bas est en  mosaique . Les muses sont de Eusebi Arnau et les robes en céramique sont signées Mario Maragliano et Lluis Bru . Chaque muse porte un instrument de musique différent. Le fond est fait de carreaux rougeâtres irréguliers .

 

 

Au centre de la scène, entre les muses, se trouve l'emblème de l'Orféo Catalan dessiné par Maria Calissa.Il est entouré de symboles médiévaux au fond bleu, toujours faits à base de mosaiques. L'emblème est visible depuis toute la salle 

 

Emblème de l'Orféo 

                                Les orgues

 

Orgue Palais de la Musique Barcelone

La compagnie E.F. Walcker de Ludwigsburg a fourni en 1908 les orgues du Palais de la musique .Le premier concert d'orgues a été donné la même année par Alfred Sittard,, organiste de la cathédrale de Dresde 

De 1906 à 1908, le facteur d'orgues allemand Walker y construisit un remarquable grand orgue symphonique à transmission entièrement pneumatique . En 1915, la transmission pneumatique est remplacée par une traction électrique entre la console et l'orgue . Depuis cette date, l'instrument s'est malheureusement dégradé, progressivement. On y effectua quelques transformations en 1982 , et, en 1987 , l'orgue Walcker est complètement démonté.La restauration de ce fabuleux témoin organistique commença en 2002 (manufacture Grenzing ). La production Walcker, au 20ième siècle est immense ' (environ 600 instruments ).Mais les orgues Walcker dans les salles de concert sont relativement rares et ont été rarement conservés. La rédaction contre la traction pneumatique ou électro-pneumatique fut telle, que ces instruments ont  pour la plupart disparus, ou ont été fortement altérés.L'orgue superbe du Palais de la Musique de Barcelone est un cas d'exception .Cet orgue symphonique emblématique, de cette période du tout début du 20ième siècle , est placé dans un cadre architectural totalement exceptionnel

                   Fin du Palais de la Musique

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