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                          Jordi Colomer ( 1962 )

Jordi Colomer a étudié à Barcelone, d'abord l'art à l'Ecole d'art et de dessin, puis l'histoire de l'art à l'université autonome, et enfin l'architecture à l'Ecole technique supérieure. Si son port d'attache reste la capitale catalane,l'artiste mène différents projets à l'étranger, notamment en France, où il expose régulièrement depuis 2002, ainsi qu'au Chili et en Turquie. Un important catalogue lui a été consacré en 2003, ainsi qu'une exposition rétrospective à la Galerie Nationale du Jeu de Paume à Paris en 2008

Dès ses débuts en 1993 avec Alta Comèdia ( 1993), Colomer mêle travail scuptural, références théâtrales et architecturales. La vidéo deviendra plus tard son médium de prédilection et sa première installation, présentée en 1997 au Musée d'Art Contemporain de Barcelone, s'apparente alors à une sculpture habitable et à une narration cinématrographique, principe qu'il développera dans les projets à venir tels que The Litte Piano en 1999, les Jumelles en 2000, ou le Dortoir en 2001. C'est à partir du dédut des années 2000 qu'il étale ses investigations à l'espace public, aux banlieues, aux rues et aux toits. Les projets  Anarchitekton ( 2002-2004 ) No? , Futur!, ( Nantes 2004 ), En la Pampa ( Chili 2008 )et The Istambul Map ( 2010 )proposent des "micros-fictions" tout aussi réalistes qu'étranges. Colomer y interroge le rapport que ses personnages entretiennent avec l'espace construit duquel ils déambulent. L'image peut y être saccadée et muette, comme dans les premiers films de l'histoire du cinéma, renforçant de la sorte le caractère artificiel du film, soulignant sa nature de construction différente d'une simple réplique de la réalité. Ce sont bien les rapports entre fiction et réalité d'une part, entre architecture et usagers d'autre part qui sont interrogés ici. Les vidéos sont elles -mêmes projetées dans des espaces mis en scène par l'artiste, installations qui soulignent la nature trompeuse du médium et que le spectateur éprouve comme un parcours symbolique : la ville y apparait comme "scène primordiale"de nos systèmes de symbolisation du monde. Colomer cherche à déstabiliser le spectateur et le place entre ce qu'il sait et ce qu'il veut croire, au point qu'il semble parfois difficile de distinguer le simulacre du réel .

Frase ( der Wachtturm ) 1991, Phrase (' La Tour de Garde ) 1991 ( 47 x 291 x 35,5 cm )

Le corpus artistique de Jordi Colomer  constitue un projet qui puise son inspiration conceptuelle et formelle dans la relation entre l'être humain et son environnement. A cet égard, la taille, la proportion, l'échelle et l'harmonie du corps humain joue un rôle central dans une oeuvre qui jusqu'à présent s'était distinguée par son évitement de toute présence humaine - visible réelle ou reproduite - dans les sculptures de l'artiste, installations et photographies. Colomer a tendance à se tourner vers l'allégorie pour confronter le spectateur non pas tant à des images qu'à des lieux. Le mécanisme discursif opère avec un hermétisme qui nous empêche de connaître tout le sens, que l'artiste cache délibérément, faisant usage sans discernement de références architecturales, littéraires, sculpturales théâtrales ou chorégraphiques. Ce sont les vestiges et les prérequis de certaines activités qui nous sont inconnus, et qui ne nous sont signalés que par le déploiement de certains éléments habituels et communs, tels que des assiettes, tapis tables, chaises ou des éléments architecturaux tels que socles maquettes...L'ordre et le désordre ou le mouvement et la stabilité sont des couples qui se révèlent fréquemment dans cette oeuvre 

                                                       à suivre...

        Le Musée de l'art Contemporain ou MACBA

Est un grand musée consacré principalement à l'exposition d'oeuvres réalisées pendant la seconde moitié du xx ième siècle. Il se trouve dans le quartier d'El Raval de la capitale Catalane, très proche du Centre de la Culture Contemporaine de Barcelone ( CCCB ) Bartomeu Mari est l'actuel directeur

                               Historique

L'idée de créer à Barcelone un musée d'art contemporain est due à l'historien et critique d'art Alexandre Cirici-Pellicer qui en 1959 , à commencé à réunir une collection. Cerici -Pellicer a bénéficié de l'aide d'autres amateurs d'art qui ont contribué à accroître cette collection, présentée lors différentes expositions itinérantes avec également des oeuvres d'artistes de cette période; cependant, en 1953, l'exposition El Arte y la paz, aux accents antifranquistes évidents sonne le glas, de l'idée de Cirici-Pellicer. La collection est alors déposée dans le Musée Victor Balaguer

L'idée est reprise en 1985, avec la création, par la municipalité de Barcelone et la Généralitat de Catalunya d'un consortium et la décision d'installer un nouveau musée dans l'ancienne Maison de la Charité. L'idée est à nouveau au sommet jusqu'en 1986 , quand le maire de Barcelone Pasqual Marguall, propose la construction d'un nouvel édifice d'abriter le siège du nouveau musée . En 1987, est constituée la Fundacio privada Museu d'Art Contemporani, qui a été réunie au consortium formé par les deux admnistrations publiques

                                  Bâtiment 

Hall d'accueil

La conception du musée est due à l'architecte américain Richard Meir. L'édifice, par cet architecte tend à unir l'art contemporain exposé à l'intérieur avec les formes historiques des bâtiments limitrophes. 

L'entrée au MACBA donne accès à un hall d'accueil, un espace circulaire marqué par une forte verticalité depuis lequel, au moyen des rampes d'accès, une distribution vers les salles d'expositions est assurée. 

L'emploi de la couleur blanche, complétée par l'utilisation de larges parois de verre  et de matériaux réfléchissants en fait un bâtiment d'une luminosité toute particulière

L'intérieur marque...par la grandeur de son hall, qui représente un tiers de la largeur du bâtiment ...par le parcours architectural, réalisé depuis le rez-de-chaussée avec une série de rampes de circulation douce visible depuis depuis l'atrium du hall qui dessert les trois niveaux supérieurs d'exposition. Elle occupe une place essentielle dans la composition et l'esthétisme intérieurs. 

Cet espace de circulation est de plus ouvert sur l'extérieur pour emplir le volume d'une lumière abondante toute particulière et offrir une vue permanente sur la ville . 

Ces points de vue constants à travers le mur rideau sont filtrés, comme la lumière, par la structure, composés de poteaux et des parois autoportantes faisant office d'écran, sur lesquels la rampe vient se fixer.

.... Par le travail et la lumière et l'alternance des contrastes en clair et obscur. La lumière naturelle du Sud baigne le hall grâce au mur rideau, au recul de l'esplanade et à l'emploi du blanc et de matériaux réfléchissants. Certains éléments de structure sont séparés de la ligne de la façade et de l'enveloppe du bâtiment, en vue de permettre un éclairage naturel libre et continu. Cette lumière pénètre l'intérieur à travers des galeries ouvertes , de grandes lucarnes et persiennes, des ouvertures zénithales, des murs rideaux et des pavés de verre.Les salles d'exposition sont , quant à elles, placées du côté de la façade Nord opaque et éclairées tantôt artificiellement, tantôt par une lumière naturelle filtrée par des blocs de verre ou de discrètes fentes.Chaque salle d'exposition propose un univers différent : par leurs dimensions ( petit, intimiste, ou dilaté, imposant ), leur lumière, ( inondant, dirigeant, structurant ou tamisant ), elles peuvent ainsi abriter tout type d'oeuvre d'art ( à accrocher au mur, à isoler , centrer, cadrer,à contempler ou à manipuler )

En somme, l'architecture de MACBA de Richard Meir relève ici de l'esthétisme moderne avec l'usage de formes simples, de matériaux bruts, (acier , béton armé verre... ), et une absence d'ornements . Elle renvoie à des courants de l'art modernes tels que le cubisme ou le néoplasticisme . Le MACBA représente finalement le style rationaliste dessiné par le Corbusier , qui combine lignes droites et lignes courbes , pavées de verre , double circulation ( rapide et lente avec la rampe ) , pureté de blanc , façade libre, dialogue entre les espaces intérieurs et extérieurs...

                                                            à suivre...

                                     La coupole

Au centre du plafond , la coupole est l'oeuvre de Antoni Rigalt I Blanch. Elle est éclairée par de la lumière naturelle du jour, elle est équipée d'un éclairage électrique pour les nuits. 

Elle est conçue , en son centre, en forme de sphères inversées représentant un grand soleil or et ocre. 

Les couleurs se dégradent peu à peu vers le blanc et le bleu clair - couleur du ciel - avant de dessiner des bustes de femmes . Ce sont deux rangées concentriques de bustes . Les premières sont dans les tons bleu clair et mauve, la seconde rangée , de couleurs bleu sombre et vert clair . Les visages sont gris et portent un diadème orné avec des couleurs plus vives. 

La lumière qui résulte de la façon des teintes dorées du plafond avec le rose des fenêtres latérales , donne à la salle de spectacle une clarté unique et mystérieuse . 

Les jeux de lumière entre les différents espaces séparés avec des portes de verre assure une visualisation globale de l'ensemble . La salle de concert est le seul auditorium en Europe à n'être éclairée pendant la journée que par la lumière naturelle . 

Cheval ailé Pégase

                                                                à suivre...

                          La salle de Lluis Millet

Située au premier étage devant la salle de concert ,elle est nommée en hommage au chef d'orchestre et fondateur de l'Orféo Catalan. Elle est conçue comme une salle d'attente ou de repos éclairé par un imposant lustre moderniste de fer.

Domenech I Montaner s'est personnellement mêlé à la réalisation de ce luminaire et avec une grande maîtrise de l'aspect théorique, il a donné de véritables leçons aux artisans, forgerons durant les travaux du Palais

La salle est décorée avec les bustes de musiciens ( Lluis Millet, Amdeu Vives, Pablo Casals, Eduard Toldra, Just Cabat, et Rosa Sabater ) et des toiles modernistes qui représentent des personnages féminins.

L'usage des vitraux à des fins décoratives est habituel dans le style moderniste . Doménech I Montaner les utilise dans tous ses édifices .Cependant dans le cadre du Palais de la musique, ceux-ci ont également un rôle architectural qui nécessite une symbiose parfaite entre l'architecte et le vitrier Antoni Rigalt I Blanch

Les portes en verres sont faites de vitraux floraux . C'est également de la longue fenêtre qui sépare cette salle de la terrasse

Celle-ci est faite de verre transparent dans ses parties hautes et des verres colorés avec des motifs à fleurs dans ses parties basses. Sur le verre transparent court une frise.Ce sont des vitraux imitant les mosaiques.

Sur la terrasse se trouvent des colonnes qui donnent sur la rue Saint Pierre 

Elles sont décorées avec des mosaiques en céramiques .Cette salle est également utilisée pour les évènements sociaux et des conférences de Presse.

                  à suivre...

                         Palais de la Musique

Jaume Plensa est connu pour la création d'énormes sculptures et a également travaillé avec différents types de médias d'art contemporain , allant des installations acoustiques aux projections vidéos . Plensa est surtout connu pour ses projets éthérés à grande échelle qu'il a installés dans les espaces publics des grandes villes du monde et des musées et des galeries d'art . Il parvient à exprimer ses idées en installant ses projets dans les espaces publics, permettant aux pièces d'être animées par la ville et ses habitants

Le,Palais de la musique est une salle de concert située dans la quartier Saint-Pierre de Barcelone .C'est l'oeuvre de Lluis Domeneech I Montaner . Les travaux se déroulent de 1905 à 1908 et font appel à des structures avancées telles que l' utilisation de nouveaux profits laminaires ; il s'agit d'une structure métallique centrale stabilisée par de contreforts et des voûtes d'inspiration gothique . L'architecte innove par l'utilisation de murs - rideaux et fait appel à une grande variété de techniques artistiques : sculptures , mosaiques , vitraux et ferronneries

L'édifice est une commande de l'association  " Orféa Catala " qui désire en faire son siège social. Les fonds proviennent du mécénat : industriels , financiers , notables et amateurs de musique financent la construction . La vocation première de la salle est de recevoir des concerts de chorales , de la musique symphonique et des récitals . Elle est utilisée aujourd'hui pour tous les types de musiques , du classique à la musique moderne.

Le Palais de la musique catalane ainsi que l'hôpital de Saint Pau de Barcelone ont été conjointement inscrits sur la liste du patrimoine mondial de l'UNESCO en 1997 

                                              Histoire

Inauguration

Après trois années le Palais est inauguré le 9 février 1908 . L'édifice est primé lors d'un concours annuel artistique organisé par la mairie . Il est promu " Meilleur édifice de l'année "

L'auditorium est conçu pour les concerts de musique instrumentale et les récitals de musique vocale . De nombreux évènements culturels ont été accueillis dans ses murs : des oeuvres de théâtres , des débats politiques , que des concerts de tous les répertoires : musique écrite, jazz , musique populaire

l'accoustique de l'auditorium est particulièrement remarquable , pour la musique chorale et la musique de chambre . Les plus grands interprètes et chefs d'orchestres du xxème siècle ont joué dans cette salle de concert

Anciens guichets originaux de Lluis Domenèch I Montaner réalisés à l'intérieur d'une colonne en mosaique

Période contemporaine 

Durant les années 1980 plusieurs changements interviennent . Du point de vue juridique le Consortium du palais de la musique Catalane est crée . Il associe l'association d'origine à d'autres acteurs tels que la mairie de Barcelone , la Généralitat de Catalogne et le ministère de la culture espagnol. 

Du point de vue architectural , le palais est modifié selon les plan d'Oscar Tusquets I Guillen . Les travaux durent sept ans . Lluis Domenech I Girbau , petit-fils du premier architecte et lui- même architecte.

Conceeption 

Dans le cadre du mouvement nationaliste , de riches barcelonnais , demandent  à l'architecte , de mettre en exergue l'avant- gardisme catalan au travers de cet édifice et d'en faire un symbole national . Montaner fait appel à une grande variété d'artisans et de fabricants pour décorer le palais de nombreuses mosaiques et sculptures . Certaines décorations ont un caractère nationaliste fort.

L'architecture du palais est représentative du modernisme catalan par l'usage des courbes qui prédominent sur les lignes droites , par la préférence accordée aux formes dynamiques sur les formes statiques , et par les nombreux motifs floraux et organiques utilisés. A la différence d'autres édiffices  construits dans le même style , la conception du Palais est profondément rationnelle .

L'aspect fonctionnel est pleinement pris en compte, l'ouvrage utilise les matériaux les plus modernes de son époque et les technologies les plus avancées du début du xx ème siècle , telle que sa charpente en acier . Plus important encore , la structure des murs - rideaux est utilisée la première fois par Montaner

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