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                                    1993

Blue 1993 est un film britannique réalisé par Derek Jarman, qui présente un seul plan statique de la couleur bleue avec une voix off et une bande originale musicale. La voix off écrite, écrite par Jarman, consiste en un texte diaristique et poétique documantant sa maladie liée au sida et sa mort imminente à un moment où il était devenu partiellement aveugle, sa vision souvent interrompue par la lumière bleue. Le film est le dernier long métrage de Jarman et a été achevé quelques mois avant sa mort. Par conséquent, Blue forme un pendant direct à la peinture tardive Ataxia-Aids is fun 1993 dans son évocation de sa maladie finale, bien que d'un point de vue très différent

Le langage visuel du bleu- un écran bleu immuable - fait directement référence à l'évocation par Yves Klein ( 1928- 1962 ) du vide et des zones d'immatérialité à travers son utilisation de la couleur " Bleu international de Klein " . La voix off du film est parlée par Jarman aux côtés de collaborateurs de longue date Tilda Swinton, Nigel Terry et John Quentin. Le texte souvent prononcé sous forme de vers est complété par la musique et le son du compositeur régulier de Jarman, Simon Fisher-Turner, ainsi que de Coil, Momus, Karol Szymanowski et Eric Satie.

La genèse de Blue remonte en 1987 lorsque Jarman a conçu un film qui s'intéressait directement à la peinture de Klein et à la philosophie. La proposition initiale de Jarman était un film qui pouvait explorer : " La juxtaposition du son et de l'image qui existe dans The Last of England ( un long métrage réalisé par Jarman en 1987 ), mais contrairement à ce film pour produire une atmosphère de calme et de joie. Un monde vers lequel les réfugiés de cet espace peuvent voyager " ( Derek Jarman , proposal for Blue, Août 1987, cité dans Peake 1999 ) . Le film, même à ce stade très précoce de développement a toujours été conçu pour être un écran projeté sans image d'International Klein Blue complété par une bande-son qui raconterait l'histoire de Klein " dans le son et le be-bop jazzy " . Cependant, parce qu'une telle approche aurait inévitablement rendu le film pratiquement impossible à financer, il a alors prévu que le film soit un masque se déroulant dans une salle bleue.

Au fur et à mesure que Jarman développait ses idées pour le film au cours des années suivantes, les textes de Klein ont été complétés par des textes connexes d'autres artistes et écrivains, puis, enfin par Jarman lui-même. Au fur et à mesure que sa maladie prenait de l'ampleur et que Channel 4 acceptait de financer le développement du scénario, le sujet du film est passé d'une concentration sur Klein à un autre qui véhiculait un rythme plus large sur son voyage à travers Londres ( cette version était intitulée Blueprint for Bliss or Bliss ) . Le film est devenu moins sur Klein et à la fois plus social et personnel avant d'évoluer, comme Pansy, en" un film musical couvrant la législation anti-queer des années 60 aux années 80"

A la fin de 1992, Jarman revint à Blue tel qu'il l'avait conçu à l'origine, avec un écran bleu, dépourvu d'images afin que rien ne porte atteinte à " l'admirable austérité du vide"  ( Jarman et Sutherland cités dans Peake 1992 ) Le film est devenu une méditation sur la couleur, le vide et sa maladie. Jarman a estimé qu'il n'avait pas auparavant abordé le sida à travers le cinéma comme il l'avait fait à travers ses dernières peintures. En accompagnant un champs de bleu d'une bande-son riche en strates, il a finalement réussi à aborder ce sujet avec le cinéma en créant un voyage élégiaque vers une zone d'immatérialité . Jarman a expliqué dans une proposition tardive pour le film : " le monochrome est une alchimie, une libération efficace  de la personnalité. Il articule le silence. C'est un fragment d'une oeuvre immense sans limite. Le bleu du paysage de la liberté. "(  Jarman 1987, cité dans Peake ) 

Lectures complémentaires

Bleu : texte du film de Derek Jzarman, Londres 1993

Derek Jarman, Chroma : Abook of colour - Juin 1993, Londres 1994

Tony Peake, Derek Jarman, Londres 1999

Andrew Wilson 1993

                         Helena Almeida

Née en 1934 à Lisbonne, où elle vit et travaille, Helena Almeida a achevé un cursus en peinture au département des Beaux-Arts de l'université de Lisbonne en 1955, exposant régulièrement depuis la fin des années 1960. Dès ses débuts , elle explore et remet en question les formes d'expression traditionnelles, la peinture en particulier, suivant un désir constant d'enfreindre l'espace délimité par le plan pictural. Peu connu en France,elle est considérée comme l'une des plus grandes artistes contemporaines portugaise. 

    Desenho habitado ( Dessin habité ) 1977

travail sur papier 40,50 x  50,50 cms 

L'ensemble des oeuvres de la série Desenho habitado, que l'artiste a commencé a produire en 1975, est un exemple clair de la première étape de l'évolution de sa production, et illustre son langage personnel, situé aux frontières de certaines disciplines. Dans ces oeuvres, l'artiste apparaît en train de dessiner le stylo à la main. La ligne qu'elle trace est parfois faite de fil ou de crin qui peut quitter ce plan pour voyager dans l'espace . En d'autres occasions, des coups de pinceaux bleus recouvrent son visage sa tête ou son corps, dans un jeu entre l'apparence et les choses cachées, l'image et le reflet, la fragmentation. Comme la série des visages, la bouche ouverte ou cousue , des lignes formant le mot "regarde moi , écoute moi , sens moi "

 Bien qu'elle s'exprime par le biais de la photographie ( des clichés grand format en noir et blanc ) son travail est complexe et englobe d'autres techniques, telles que la peinture, le dessin, le collage et la performance, toujours axées sur l'idée de l'auto-représentation. 

"Desenho habito"est un exemple de cette approche . "les Dessins habités" sont une série d'oeuvres qu'Almeida a commencé donc à produire en 1975, en décomposant son corps en unités minimales ( des yeux, les bras , la bouche etc... ) afin de les explorer Dans ces six photographies la main de l'artiste trace une ligne avec un stylo : tantôt cette ligne est un fil, tantôt une mèche de crin, qui part en voyage dans l'espace

Comment un corps et le mouvement d'un corps ( celui de l'artiste ) parviennent ils faire une oeuvre d'art ?!

                   à suivre...

                              Oscar Masota

                                    La théorie en tant qu'action 

Basée sur de nombreuses années de recherche, cette exposition explore la carrière d'Oscar Masotta ( Buenos - Aires, 1930 -  Barcelone 1979 ), figure cruciale de la modernisation de la scène culturelle argentine des années 1950 aux années 1970 

Intellectuellement lucide et vorace, ses intérêts multiples incluaient l'art, la littérature , la bande dessinée , la politique et la psychanalyse. Il a entrelacé des paradigmes de pensée tels que l'existentialisme, la phénoménologie le structuralisme et la sémiotique. 

Des notions telles que l'avant-garde, la dématérialisation, la discontinuité et l'environnement l'ont aidé à analyser les transformations radicales de son époque. Il s'est toujours revendiqué marxiste mais a défié l'orthodoxie en abordant le péronisme et la culture populaire . Contrairement au climat fortement anti- intellectuel du moment, il a défendu la théorie comme un mode spécifique d'intervention politique émancipatrice .

Exilé à Barcelone depuis 1975, Masotta a participé activement à la scène contre culturelle et a contribué à promouvoir la croissance de la psychanalyse en Espagne par le biais de centaines groupes d'études

Bien qu'il reste bien connu en tant que critique littéraire et pour son rôle dans l'introduction de Jacques Lacan en Amérique Latine et en Espagne, ses interventions - non seulement théoriques, mais aussi en tant qu'artiste et promoteur - au sein de l'avant-garde artistique et du domaine de la bande dessinée n'ont été pleinement reconnues que récemment

Théoriciens , conservateurs et artistes contemporains ont découverts chez Mazotta un foyer d'idées et d'expériences qui nous obligent à repenser l'art des années 1960 et à envisager ses implications pour aujourd'hui, ses résonances et ses ruptures

où situer Misotta, entre l'écrivain phare et l'écrivain périphérique, les théoriciens et l'artiste, le plagiaire et le précurseur, l'intellectuel dépendant et l'intellectuel autonome, le révolutionnaire et le dandy, l'engagé et le bouffon?!

Aucun de ses points de collisions n'offrent une image stable, mais c'est peut-être , comme il l'a lui même suggéré, le meilleur effet du retour à Masotta. Sa capacité à nous faire nous faire ressentir un malaise ou un inconfort

Menacé par la police paramilitaire et poursuivit par le climat de persécution et de violence politique croissante en Argentine, Masotta quitte son pays natal à la fin de 1974 pour s'exiler en Europe, d'abord à Londres, puis à Barcelone, où il est invité par ses amis Marcelo Ramiez Puig et Daniel Melgarejo

Il continue à y  organiser de nombreux groupes d'études, de conférences et des réunions, principalement sur la psychanalyse, qui attirent de nombreux jeunes, dont Pepe Espaliù

Actif dans la contre culture de la scène anti- franquiste, son premier groupe d'étude était basé dans l'atelier du peintre Josep Guinovart . Il est en contact avec de jeunes intellectuels tels que Alberto Cardin, Eugénio Trias et Frederico Jimenès  Losantos

En 1977, sa fille unique, Cloé est née. 

Atteint d'un cancer qui l'empêche de parler, il meurt le 13 septembre 1979 à l'âge de 49 ans 

       ARCHIVES INACHEVÉES CETTE PREMIÈRE EXPOSITION sur la trajectoire intellectuelle d’Oscar Masotta est le fruit de plusieurs années de recherches collectives dans lesquelles sa fille Cloe a joué un rôle majeur, aux côtés de nombreuses autres personnes. Les résultats de ces recherches ont donné lieu, en 2017, à une exposition au MUAC (Mexico) qui, après son passage par Barcelone, sera présentée à Buenos Aires. Espérons que, dans ces deux dernières villes, où Masotta vécut et joua pleinement son rôle d’agitateur d’idées, cette exposition déclenchera un travail de mémoire, en quête de liens et de rapprochements qui permettront d’ancrer son legs trop longtemps négligé dans le présent. Initiateur et animateur incontournable de démarches collectives, il a osé intervenir dans des sphères où il n’avait aucune légitimité en s’inventant sa propre chaire en marge des institutions. Le résultat le plus prometteur de ce long travail de recherche est peut-être l’exercice de constitution d’archives jusqu’à présent inexistantes ou dispersées, inachevées, fragmentaires et en construction, patiemment réalisées à coups de bribes éparpillées, d’indices inattendus, de témoignages et de documents. Des archives qui repousseront les limites temporelles et spatiales trop étroites de l’exposition pour s’ouvrir à des lectures et à des développements futurs                                       

                               Angela de la Cruz

Angela de la Cruz est une artiste espagnole dont les oeuvres se situent entre la peinture et la sculpture . Elle s'engage dans le discours sur "problème" de la peinture en ciblant son anatomie de base : la civière, normalement laissée à son travail de garder la toile lisse et souple. Angela de la Cruz est née à la Corogne en Galice, au nord-ouest de l'Espagne en 1965 et vit et travaille à Londres. Elle a obtenu un BA en philosophie de l'Université de Saint-Jacques- de- Compostelle ( 1989 ) avant de déménager à Londres, où elle a un BA en Beaux-Arts de Goldsmiths Collège ( 1994 ) et une maîtrise en sculpture et théorie critique de Slade ( 1996 )

De la Cruz rompt les conventions, littéralement en mutilant la civière et en perçant l'édifice plat de la toile pour la libérer dans un espace tridimensionnel. Coupé, tordu et réformé en quelque chose qui se rapproche de la sculpture, il y a un humour noir en jeu : "Au moment où je coupe la toile,je me débarrasse de la grandeur de la peinture" dit-elle. Convention ponctuée, ses oeuvres semblent imiter des aspects du comportement humain ou des états d'esprit - se recroqueviller, survivre - et, plus récemment, ce sens de l'échelle humaine a été renforcé par des oeuvres incorporant des éléments de mobiliers domestiques, tels que des chaises et des tables. Prostrés sur le sol ou accrochés au mur comme des trophées macabres, ils témoignent d'un processus violent et, à ce titre, le confrontent comme quelque chose de passionnant, de redoutable et, sale ou glissant, juste sur la surface.

Pour des oeuvres récentes telles que Burst  ( White ) 2012, l'artiste a violemment mais ludiquement transcendé les limites imposées de son médium, affirmant, la tridimensionnalité de la peinture en faisant éclater les côtés comme s'ils étaient sur le point de se déchirer ou d'exploser. "Ces travaux consistent à être au bord de quelque chose, l'état liminal entre une forme et une autre. Il y a une apparence de surface et aussi ce qui se trouve en-dessous. Ces pièces sont assez agressives

Les expositions personnelles incluent le Camden Arts Centre, Londres 2010, le Centro Analuz de Arte Contemporanéo, Séville, Espagne 2005 et le Muséo de Arte Contemporanea de Vigo, Annex Space Marco, Espagne 2004. Elle a été nominée pour le Turner Prize en 2010.

Angela de la Cruz vit et travaille à Londres

Clutter vii ( yellow )

"Clutter vii Yellow " fait référence au corps de l'artiste par l'usage de ses dimensions, mais il évoque matériellement les sacs mortuaires et les conteneurs métalliques utilisés pour le transport des cadavres sur le champs de bataille ou accidents...Angela a recyclé des déchets pour produire des silhouettes...

                                                                 à suivre...